CLASE 6
La sexta clase del Curso Express de Producción Mákina está centrada en el desarrollo melódico y armónico de la producción, especialmente en la creación de premelodías, capas complementarias, nuevas variantes melódicas, arpegios y un Choir de carácter clásico. La sesión parte del material MIDI obtenido previamente mediante inteligencia artificial a partir de la melodía original, tomando Sol mayor como referencia armónica.
El primer objetivo es revisar ese MIDI y comprobar qué partes pueden aprovecharse realmente. Inicialmente se trabaja con un piano, pero pronto se detecta que el material no funciona especialmente bien como melodía de piano principal. En cambio, sí ofrece ideas interesantes para una premelodía o acompañamiento, lo que conduce a uno de los principios más importantes de la clase: cuando una idea no funciona para la función prevista, no hay que forzarla; puede reservarse y reutilizarse para otra parte de la producción.
A partir de ahí se realiza un trabajo detallado de edición MIDI, fijando duraciones, cuantizando, ajustando velocities y modificando notas. Posteriormente se sustituyen algunos timbres de piano por Leads de Nexus y se empiezan a crear nuevas capas. Durante la búsqueda de sonidos aparece incluso un preset que, aunque no sirve exactamente para el objetivo inicial, resulta perfecto para reforzar la melodía principal con un carácter más fiestero y maquinero.
La parte central de la clase profundiza en la relación entre melodía, bajo, contra, contra-acorde y trigger. Se reorganizan los movimientos armónicos para que todos estos elementos compartan una progresión coherente, basada principalmente en Sol – Re – Mi – Do. También se comprueba que dos melodías pueden ser tonalmente correctas y, aun así, competir entre sí. En ese caso, se separan sus funciones: una asume el protagonismo y otra se transforma en premelodía o capa de acompañamiento.
Después se refuerza el contra-acorde, aumentando polifonía, duplicando osciladores y añadiendo algo de Drive. Con ello se consigue una mayor densidad sonora y una sección armónica con más peso. A medida que las capas se acumulan, la producción empieza a adquirir una sensación mucho más completa y sólida.
La segunda mitad de la clase incorpora un arpegio, creado a partir de las notas de un acorde y programado en subdivisiones rápidas para aportar sensación de velocidad y movimiento. El arpegio se diseña sonoramente para ocupar un espacio más alto que el bajo, se limpian graves y se procesa con herramientas como ShaperBox. También se insiste en no sobrecargar los arreglos: una línea más sencilla puede funcionar mejor cuando ya existen muchas pistas compitiendo dentro de la producción.
Finalmente se añade una nueva capa de Choir, inspirada en sonidos clásicos utilizados durante los años 90. Esta capa aporta un carácter más angelical y resulta especialmente apropiada para zonas de parada. El preset seleccionado se ajusta para eliminar un componente campanoide no deseado y se integra como elemento de relleno dentro de la sección melódica.
La clase concluye realizando un balance pista por pista, eliminando efectos innecesarios y ajustando niveles. El resultado es una sección melódica mucho más sólida y con mayor peso armónico. Para terminar, todas las pistas melódicas se agrupan dentro de una pista de grupo llamada “Melodías”, permitiendo controlar globalmente el volumen de toda la sección.
Puntos de Conocimiento
1. Reutilización creativa del MIDI generado por IA
• Punto de partida: Se recupera el MIDI obtenido previamente a partir de la melodía original.
• Base armónica: El material está construido alrededor de Sol mayor.
• Función inicial: Se prueba como acompañamiento de piano.
• Cambio de función: El MIDI termina resultando más útil como premelodía o acompañamiento que como piano principal.
• Principio: Una idea generada para una función concreta puede terminar siendo más útil en otra distinta.
2. No forzar una idea que no funciona
• Prueba primero: Se escucha el piano dentro del contexto real.
• Evaluación: Si no convence, no es necesario seguir invirtiendo tiempo en él.
• Reserva: El material puede dejarse “en retén”.
• Reutilización: Algunas partes pueden funcionar más adelante como acompañamiento.
• Método: Trabajar sobre decisiones claras evita perder tiempo intentando hacer funcionar algo que no está definido.
3. Preparación y limpieza del MIDI
• Fijar duraciones: Facilita visualizar mejor el contenido.
• Cuantización: Corrige posiciones rítmicas.
• Velocity: Permite aumentar presencia o intención.
• Escala: Mantener una referencia tonal ayuda a editar con seguridad.
• Objetivo: Convertir un MIDI complejo en material manejable y musicalmente útil.
4. La función del timbre dentro de la composición
• El MIDI no define el sonido final: Puede probarse inicialmente con piano y posteriormente cambiarse.
• Lead: Un sonido diferente puede transformar completamente la percepción del mismo patrón.
• Búsqueda: El timbre puede inspirar nuevas decisiones compositivas.
• Resultado: La elección del sonido forma parte del proceso de composición, no únicamente del diseño sonoro.
5. Encontrar sonidos útiles mientras se busca otra cosa
• Exploración abierta: Durante la búsqueda de un preset para una función concreta puede aparecer otro especialmente interesante.
• No descartarlo: Si funciona para otra parte, se guarda y se utiliza.
• Ejemplo: Un Lead encontrado durante la búsqueda aporta un carácter más fiestero y maquinero a la melodía.
• Principio: La producción también avanza gracias a descubrimientos accidentales.
6. Cuantización y carácter rítmico de una melodía
• Dos versiones: Una interpretación puede ser más sencilla y otra más sincopada.
• No existe una única solución: Ambas pueden ser correctas.
• Carácter: La síncopa puede generar mayor sensación de vuelo y movimiento.
• Decisión artística: La elección depende del estilo y de la intención de la producción.
7. Creación de capas melódicas
• Melo 1, Melo 2, Melo 3 y Melo 4: Diferentes pistas cumplen funciones complementarias.
• No todas deben sonar igual de fuerte: Algunas pueden ser únicamente relleno.
• Capas principales: Aportan presencia y definición.
• Capas secundarias: Refuerzan armónicos, amplitud o textura.
• Objetivo: Construir una melodía más grande sin depender de un único sonido.
8. Diseño sonoro del Lead
• Eliminar efectos innecesarios: Muchos presets incluyen reverb, delay u otros procesamientos que pueden molestar.
• Drive: Se utiliza para aumentar potencia.
• Volumen: Una vez obtenido el carácter deseado se ajusta para que la capa no domine.
• Integración: El sonido debe evaluarse siempre dentro del conjunto.
9. Compatibilidad tonal frente a compatibilidad de arreglo
• Estar en tonalidad no es suficiente: Dos melodías pueden contener notas correctas y aun así competir.
• Problema: Ambas pueden reclamar demasiado protagonismo.
• Solución: Separarlas funcionalmente.
• Premelodía: Una de las líneas puede reservarse para otra sección.
• Principio: La armonía correcta no garantiza que un arreglo sea efectivo.
10. Relación entre melodía, bajo y contra
• Base compartida: Los movimientos armónicos deben tener coherencia.
• Progresión principal: Se trabaja con Sol – Re – Mi – Do.
• Bajo: Marca gran parte del movimiento armónico inferior.
• Contra: Debe seguir o complementar esos cambios.
• Resultado: La producción gana estabilidad y dirección musical.
11. Adaptación del Contra-Acorde
• Revisión: El contra-acorde también debe ajustarse a la nueva progresión.
• Octavas: Determinadas notas pueden cambiarse de registro.
• Escucha: Se comprueba en solo antes de volver al conjunto.
• Objetivo: Mantener la armonía sólida sin introducir tensiones innecesarias.
12. Modificación del Trigger
• Cambio de notas: El trigger debe adaptarse a los nuevos movimientos armónicos.
• Reorganización: Se intercambian partes.
• Variación: Cambiar la posición de los fragmentos evita repetir siempre el mismo comportamiento.
• Función: Mantener coherencia tonal mientras aporta movimiento.
13. Aumentar densidad mediante polifonía
• Polifonía inicial: El sonido trabaja con pocas voces.
• Ampliación: Se aumenta el número de voces.
• Osciladores: Se duplica una capa adicional.
• Resultado: Mayor densidad y grosor.
• Control: Se evita que el aumento de capas termine produciendo demasiada distorsión.
14. Drive como elemento de carácter
• Aplicación moderada: Se utiliza para añadir potencia.
• Riesgo: Exceso de Drive puede provocar pérdida de claridad.
• Objetivo: Obtener agresividad sin destruir la definición.
• Contexto: La cantidad correcta depende del resto de capas que ya estén sonando.
15. Elección entre timbres melódicos
• Comparación directa: Se escuchan dos sonidos sobre el mismo patrón.
• Definición: Se elige el que permite distinguir mejor la melodía.
• Descarte: El otro se elimina para evitar acumulación innecesaria.
• Principio: Mantener únicamente aquello que realmente mejora el resultado.
16. Creación de una premelodía independiente
• Duplicación: Se crea una pista específica.
• Nueva función: El acompañamiento deja de competir con la melodía principal.
• Octavación: Se desplaza para ocupar otro registro.
• Resultado: Puede utilizarse en determinadas zonas de la estructura sin restar protagonismo.
17. Octavación como herramienta de separación
• Mismo contenido, diferente registro: Una línea puede colocarse una octava arriba o abajo.
• Objetivo: Evitar solapamientos.
• Espacio: Permite que dos capas similares convivan mejor.
• Escucha: Siempre debe comprobarse si el cambio provoca demasiada estridencia.
18. Capas de relleno
• Volumen bajo: No necesitan escucharse claramente.
• Función: Rellenar huecos armónicos.
• EQ: Se adaptan para no competir con las pistas principales.
• Resultado: Se percibe una producción más llena aunque la capa individual apenas destaque.
19. Creación del Arpegio
• Objetivo: Aportar velocidad y movimiento.
• Base: Se construye a partir de las notas de un acorde.
• Registro: Funciona como un elemento similar a un bajo, pero en una zona más alta.
• Duración: Se desarrolla inicialmente sobre cuatro compases.
• Función: Reforzar la armonía por debajo de la melodía principal.
20. Programación MIDI del Arpegio
• Fijar duraciones: Facilita la edición.
• Mover notas: Se reorganizan diferentes alturas.
• Semicorcheas: Aportan velocidad.
• Octavas: Se prueban variaciones más agudas.
• Objetivo: Crear movimiento sin perder claridad.
21. La sencillez como herramienta de producción
• Más notas no significa mejor resultado.
• Contexto: La producción ya contiene muchos instrumentos.
• Riesgo: Un arpegio demasiado elaborado puede estorbar.
• Decisión: Se escoge una versión más sencilla.
• Principio: El arreglo debe funcionar dentro del conjunto, no demostrar complejidad por sí mismo.
22. Diseño sonoro del Arpegio
• EQ: Se reducen frecuencias graves.
• Drive: Añade presencia.
• Procesamiento: Se utiliza ShaperBox para generar movimiento.
• Capas: Se añaden pequeños refuerzos.
• Objetivo: Mantener sensación de velocidad sin interferir con bombo y bajo.
23. Introducción del Choir
• Sonido característico: Los Choirs forman parte de la estética clásica de determinadas producciones Mákina.
• Función: Añadir un carácter más angelical.
• Aplicación: Especialmente efectivo durante las paradas.
• Nueva capa: Se incorpora como Melo 4.
24. Referencias sonoras de los años 90
• Sound Canvas y Roland: Se utilizan como referencia histórica.
• JV: También se recuerda como fuente de este tipo de timbres.
• Estética: Los sonidos de coro ayudan a recuperar el carácter clásico.
• Adaptación actual: Se busca una alternativa similar dentro de Nexus.
25. Adaptación de un preset Choir
• Preset inicial: Puede contener elementos no deseados.
• Problema: Aparece un golpe campanoide.
• Solución: Se reduce o elimina.
• Energía: Se ajusta posteriormente para integrarlo.
• Resultado: El Choir queda más limpio y útil como capa.
26. Choir como elemento de relleno
• No debe dominar: Su función es complementar.
• Colocación selectiva: Se utiliza únicamente en ciertas zonas.
• Textura: Ayuda a completar la parte armónica.
• Especial utilidad: Puede reforzar momentos de parada o desarrollo melódico.
27. Ajustar capas sonido por sonido
• Mute: Se aíslan las pistas.
• Volumen: Se corrigen niveles individualmente.
• Delay: Se eliminan efectos que sobran.
• Octavas: Se prueban nuevas posiciones.
• Método: El equilibrio final se consigue escuchando cada elemento por separado y después dentro del conjunto.
28. La importancia del peso armónico
• Resultado: La producción gana cuerpo y solidez.
• Salto de calidad: La parte armónica puede transformar notablemente la sensación general del tema.
• Trabajo detallado: Cuantas más capas existen, mayor importancia tiene su equilibrio.
• Calidad sonora: Depende tanto de las notas como de cómo se combinan los sonidos.
29. Agrupación de la sección melódica
• Pistas incluidas: Melodía, Melo 1, Melo 2, Melo 3 y Melo 4.
• Grupo: Se crea una pista llamada “Melodías”.
• Control global: Permite subir o bajar toda la sección desde un único canal.
• Organización: Facilita posteriores decisiones de mezcla y estructura.
• Ventaja: Mantiene un proyecto más ordenado y manejable.
30. Resultado de la Clase 6
Al finalizar la sesión queda construida una sección melódica mucho más completa, formada por:
• Melodía principal reforzada.
• Varias capas melódicas.
• Premelodías y acompañamientos.
• Bajo, contra y contra-acorde adaptados armónicamente.
• Trigger reorganizado.
• Arpegio.
• Choir.
• Procesamiento y balance individual.
• Grupo general de melodías.
La producción ha ganado claramente peso, riqueza armónica, velocidad y sensación de profundidad, y dispone de suficientes elementos melódicos para utilizarlos en diferentes partes de la futura estructura.
La idea principal que deja esta sexta clase es que la riqueza melódica no consiste simplemente en añadir más notas o más pistas, sino en conseguir que cada capa tenga una función concreta. Una melodía puede ser protagonista, otra puede acompañar, otra rellenar, un arpegio aportar movimiento y un Choir añadir emoción. Cuando cada elemento ocupa su espacio y se combina correctamente con bajo, contra y armonía, la producción alcanza un nivel de profundidad y calidad mucho mayor.